Big Inner

Matthew E. White

Note : 9/10
Label : Domino
Année : 2013

Sorti au beau milieu de l’année dernière sur le label Hometapes, le premier album de Matthew E. White, Big Inner (malicieux jeu de mot avec « Beginner ») paraît ces jours-ci en Europe chez Domino Records. Dans une interview donnée à RVA Magazine en 2011 (ce qui confirme la justesse de cette théorie mise en pratique sur son album), White affirme être amoureux transi des grosses sections de cuivres et de cordes. Il déclare également vouloir calquer son processus d’enregistrement aussi bien sur le dub jamaïcain (pour ses expérimentations sonores) que sur la Motown, Stax ou Atlantic Records par l’omniprésence d’un house band, ce groupe résident qui participe exclusivement à l’enregistrement des tous les disques du labels.

De fait, dès la première écoute de Big Inner, l’abandon passionnel et rigoureux à ce postulat se révèle être tout à fait gagnant en termes de production et d’élégance sonore. Les arrangements sont subtilement boisés et cuivrés et les paroles baignent dans un lexique religieux et solennel. Une quasi-constance tout au long des sept morceaux qui composent un album où il est essentiellement question d’amour, de mort, des ténèbres et du paradis, mais aussi de grogs au whisky et du Brazos, le plus grand fleuve du Texas.

Au contraire de certaines des plus puissantes voix soul afro-américaines (James Carr, Wilson Pickett ou encore Lee Moses), Matthew E. White tisse sa foi sous des murmures et des violons mixés très loin en arrière-plan. Bien loin de tout maniérisme, White met du coeur à l’ouvrage pour offrir à son auditeur ses douces tempêtes musicales. Car au-delà de la très belle production de ce disque, c’est avant tout sa charpente mélodique qui laisse rapidement pantois. Big Inner n’est pas un concept album au sens communément entendu, mais il en possède tous les atours: des premières et infiniment douces mesures de l’inaugural « One of These Days » à « Brazos », cathartique cathédrale sonore d’une durée de 10 minutes, ce disque est gorgé de ballades savamment orchestrées (« Will You Love Me » ou « Gone Away ») et de brillants morceaux uptempo (« Big Love » et « Steady Pace »).

Héros soul à barbe du 21^e siècle, Matthew E. White produit avec Big Inner une des plus belles orfèvreries que l’on ait pu écouter ces dernières années. Un album à ranger aux côtés de What’s Going On de Marvin Gaye pour la verve religieuse, de Nixon de Lambchop ou encore du premier album de Bill Fay pour la clairvoyance architecturale des arrangements. Big Inner inspire, expire et transpire une certaine majesté, ou plus exactement une richesse puisée dans les plus grandes heures de la musique soul, gospel et folk. Bref un disque totalement et éperdument américain.

Chronique parue sur Goûte Mes Disques

Life Is People

Bill Fay

Note : 8/10
Label : Dead Oceans
Année : 2012

Il y a maintenant plus de quarante ans, Bill Fay sortait deux grands albums: un album éponyme en 1970 et, l’année suivante, Time of the Last Persecution. Deux disques et deux teintes complémentaires: le premier se dressait fièrement sous la richesse des cordes et cuivres (il suffit d’écouter « The Sun Is Bored » ou « Methane River » pour se prendre en pleine face la haute teneur des arrangements), tandis que le second baignait dans un classicisme folk-rock sans faille.

Puis le vide, jusqu’à la sortie la même année, en 2004, d’une compilation d’inédits, From the Bottom of an Old Grandfather Clock, et de Tomorrow Tomorrow and Tomorrow, album initialement enregistré entre 1978 et 1981, légèrement progressif dans ses orchestrations rappelant Pink Floyd période Wish You Were Here et aux compositions toujours aussi remarquables – le morceau final, « Isles of Sleep », est d’une beauté à pleurer. Enfin, en 2009 est sorti le double album anachronique Still Some Light, scindé entre un premier disque compilant des morceaux enregistrés au début des années 70, et un second disque bourré jusqu’à la moelle de morceaux inédits enregistrés à la maison, sur lesquels Bill Fay semble brûler toutes ses cartouches.

Life Is People, son nouvel album, est le premier enregistré en studio depuis quatre décennies. Joshua Henry, le producteur du disque qui a grandi en écoutant les vinyles de Bill Fay de son père, a tout simplement demandé à l’artiste s’il voulait enregistrer un nouvel album, lequel a accepté. De nouveaux visages se sont greffés à cette affaire musicale: entre autres, deux musiciens ayant joué sur Time of the Last Persecution, un chœur gospel, un quatuor à cordes et Jeff Tweedy, tête chercheuse de Wilco.

En substance, ce disque est une œuvre à la production soyeuse. La force de composition de Bill Fay ne s’est pas estompée sous la patine du temps. Tour à tour mystique de par la thématique religieuse de certains textes et atemporel (à part la production soignée très ancrée dans notre temps, cet album aurait tout à fait pu être composé par Bill Fay à ses débuts), Life Is People puise sa force, dès les premières notes de piano de « There Is a Valley », dans une exigence mélodique quasi monastique. « Big Painter », inquiétant par ses volutes menaçantes de violoncelle empruntées à Arvo Pärt, conquiert le cœur de l’auditeur: la musique de Bill Fay est toujours aussi essentielle. Le clair-obscur caractérise la progression de cet album: l’entraînant « This World », sur lequel Jeff Tweedy accompagne Fay, est suivi par le doux et rédempteur « Healing Day ». « Be at Peace With Yourself » est l’un des grands moments de ce disque, avec des chants gospel qui se fondent dans une composition humaniste. La reprise de Wilco, « Jesus, Etc. », donne le coup de grâce: accompagné uniquement de son piano, il fait reprendre haleine à ce morceau et le transpose en une magnifique ballade. « Cosmic Concerto (Life Is People) », porte son thème hypnotique sur presque huit minutes, culminant sous un déferlement de cordes. L’album s’achève sur « The Coast No Man Can Tell » et des paroles bien à propos : « It’s time to leave and say goodbye, at least for now ».

Life Is People est un disque empreint de générosité et de renoncement, deux caractères forcément antagonistes sans pour autant être excentriques. Bienveillante et sincère, portée par un homme humble, la musique gravée sur ce disque rehausse la discographie de Bill Fay, qui demeure une collection exemplaire de songwriting pop.

Chronique parue sur Goûte Mes Disques

Genre : Baroque Pop, Folk Rock

The Smile Sessions

The Beach Boys

Note : 10/10
Label : Capitol Records
Année : 2011

Cela faisait 45 ans que l’on attendait la sortie de Smile, album enregistré entre novembre 1966 et mai 1967 par The Beach Boys, juste après Pet Sounds, et jamais édité. Les raisons : les problèmes personnels, la drogue et surtout les conflits et les engueulades au sein du groupe. 45 n’est cependant pas exactement le nombre d’années passées par les fans du groupe à attendre fébrilement la sortie officielle de cet album devenu, au fil du temps, mythique, puisqu’en 2004 Brian Wilson avait intégralement ré-enregistré sa propre version du disque. Cette interprétation était un réconfort car l’album était vivant, même sous une forme totalement nouvelle : des passages vocaux ou instrumentaux on été ajoutés, et la voix de Brian Wilson n’était évidemment plus la même qu’en 1966, moins juvénile, moins fantasque et moins fantastique. Ce disque marquait également le début de la fin des dizaines de bootlegs parus au fil des années et amoureusement assemblés par des fans. Chacun de ces assemblages pirates était la vision unique et fantomatique de son créateur, essayant vainement mais souvent habilement d’harmoniser les morceaux de l’album disponibles officiellement ou sous le manteau.

Il aura donc fallu attendre 45 ans. Et The Smile Sessions sont l’exacte illustration de ce qu’a été l’album à un instant T, un retour vers le passé tout en mono, à l’image de la plupart des albums parus dans les années 60/70. La stéréo naissante était souvent traitée après-coup et la version mono, plus brute, était réellement pensée par les artistes. Ce disque est très exactement une épopée, un tissage chirurgical d’infimes lambeaux sonores assemblés en une concentration miraculeuse. The Beach Boys, accompagnés de Van Dyke Parks dans le rôle de parolier fou sur certains morceaux, subliment la conception et la perception des codes consacrés de la mélodie, des arrangements et des harmonies vocales (l’écoute de « Smile Backing Vocals Montage », piste inédite disponible sur la version deluxe, en est la preuve irrévocable). Smile est un album à la fois grandiloquent, précieux (dans les deux sens du terme, « chéri » et « sophistiqué ») et incroyablement abouti.

Disponible sous divers atours, dont une version double CD, une version double vinyle et, le Graal pour tout adorateur du disque, une version 5 CD incluant un apparat de démos et ébauches, Smile est un retentissant hommage aux grands mythes américains via de grandes lignes mélodiques. Au milieu des préludes ouvrant le disque (« Our Prayer » et « Gee »), des interludes animaliers (« Barnyard ») ou incendiaires (« The Elements: Fire »), de belles ballades se dévoilent (« Wonderful » ou « Wind Chimes »). Mais il y a surtout trois formidables morceaux. Le premier, single archi-connu aux multiples mouvements antithèse du tube pop, est le bien-nommé « Good Vibrations ». Le second, demi-frère du suscité, est « Heroes And Villains », autre collage mélodique et véritable puzzle aux acrobaties vocales chromatiques, beaucoup moins innocent qu’il n’y paraît. La troisième merveille de cet album est « Surf’s up », morceau beau à en pleurer et, tout de go, une des mélodies les plus élégantes et poignantes auxquelles la musique pop ait donné le jour.

Découvrir ou redécouvrir Smile à l’aune de ces enregistrements enfin édités sous leur version définitive est un plaisir infini teinté de soulagement car cet album existe enfin. Mais aussi un plaisir teinté de déférence : Smile toise dorénavant fièrement et à jamais la musique pop.

Chronique parue sur Goûte Mes Disques

Genre : Baroque Pop, Psychedelic Pop